Suite au succès de la 1ère édition des Envolées, initiée le 16 septembre 2011 avec The Toxic Avenger, Nasser et Anoraak, La Cigale a le plaisir de vous annoncer la 2ème édition des Envolées de la Cigale. Rappelons le principe : Faire la courte échelle à la scène ascendante en permettant une exposition et une [...]
La mise en scène de Roger Vontobel transpose et adapte la pièce de Brecht dans une modernité rayonnante. A travers chants, musique et vidéo, la fable de Brecht recouvre une identité très contemporaine, le tout servi avec talent par les comédiens.
La scénographie laisse apparaître un salon composé d’un long canapé d’angle en face d’un espace mural assorti de points lumineux représentant la ville et son fourmillement. La pièce démarre par une vidéo dans laquelle George Garga (Clément Bresson), vendeur dans une vidéothèque, s’ennuie jusqu’à l’arrivée de Schlink (Arthur Igual). Sa vie bascule. C’est une lutte entre Schlink, l’oppresseur, castrateur de liberté et George Garga jaloux de sa liberté.
Dans « Hernani », force et poésie sont au centre de la scène et font la colonne vertébrale de la pièce. Les comédiens, à l’entame, manquent un peu d’allant mais arrivent tout au long de la pièce à donner un jeu vigoureux et de force.
La scène est nue ou presque avec une scénographie coupée en deux. Côté jardin est habillé d’un rideau, sous lequel les accessoires de scène sortent. Côté cour se trouve une armoire avec un lit. La scène centrale laisse apparaître table de mariage, ou tapis de bois menant vers une chaise royale. Ainsi pouvoir et intimité cohabitent sur la même scène au même moment comme pour marquer l’imbrication du pouvoir et de l’amour. « Hernani » est une histoire d’amour et de vengeance, de duels et de combats. Histoire d’amour entre Dona Sol et Hernani, elle-même fiancée à Don Carlos et dont le roi reste épris. Histoire de duel et de vengeance entre Hernani et le roi car le père d’Hernani a été condamné à mort par le père du roi.
Dans un très beau spectacle mêlant théâtre et danse, les danseurs rendent un très bel hommage à Pina Bausch en interprétant avec poésie et talent « 1980 » dans une série de scènes où l’humour en est le ciment.
1980 a été une année difficile pour Pina Bausch car elle a perdu son amour et scénographe de toujours, Rolf Borzik. La chorégraphe fit appel à Peter Pabst, pour « 1980 », qui deviendra le scénographe attitré de tous ses autres spectacles. « 1980 » est un spectacle où théâtre et danse sont copains comme cochons et ce dans un cadre très « nature ». La scénographie laisse découvrir une pelouse verte avec un chevreuil empaillé, le tout bordé par des éclairages éteints. L’Art, les arts se conjuguent dans un même spectacle. Dans « 1980 », le théâtre embrasse la danse, l’humour virevolte avec les sketchs. On est au carrefour de plusieurs disciplines artistiques.
Dans une très belle mise en scène où Ostermeier décline un rapport au pouvoir fait à la fois de facétie, d’humour et de violence, les comédiens de la Schaubühne sont superbes de talent. Dans un jeu fait de subtilité, ils incarnent avec force et truculence des personnages tiraillés par des sentiments parfois contradictoires.
La scénographie découvre un grand espace rectangulaire dans lequel un lourd plafonnier est posé à même le sol. Tous les comédiens, musiciens et chanteuse compris, sont présents durant tout le spectacle comme témoins du drame d’Angelo et d’Isabella. La pièce démarre par un très beau chant donnant à la pièce de Shakespeare, une tonalité presque bohème.
A l’occasion des 25 ans du Béjart Ballet Lausanne, 5 soirées exceptionnelles se tiendront au Palais des Congrès de Paris, du 3 au 7 avril 2012. Pour célébrer cet anniversaire, 3 ballets majeurs de la compagnie seront présentés sur scène, dont les deux premiers totalement inédits à Paris. Joyeux anniversaire ! Le Béjart Ballet Lausanne, [...]
Dans une mise en scène où le mode narratif bouscule et empiète sur l’action théâtrale, les comédiens déploient un jeu de qualité homogène dans une relation au texte un peu trop proche. Thomas Quillardet décline une mise en scène qui essaie de prendre le spectateur à rebrousse-poil mais sans pour autant y réussir.
« Avec ma femme, Carol Dunlop, également écrivain, nous envisageons une « expédition » un peu folle et pas mal surréaliste, qui consisterait à parcourir l’autoroute entre Paris et Marseille… en nous arrêtant sur les 65 parkings de l’autoroute à raison de 2 par jour ». L’idée et le thème sont lancés. A travers leur œuvre, Cortazar et Dunlop revisitent l’autoroute telle des explorateurs à la recherche d’aventures routières au travers d’un regard décalé.
Dans une belle scénographie mettant en perspective l’univers théâtral, les comédiens déploient un jeu de très belle composition avec Uli Kirsch, dans le rôle d’Axel, superbe dans son personnage. La mise en scène de Py laisse place à un jeu fait de mouvement et d’énergie dans des séquences de jeu remarquablement orchestrés.
Dès la première scène, le rideau laisse place à un lit dans lequel Axel dort. Axel, en la personne d’Uli Kirsch, est cet homme qui est entré dans une troupe de théâtre presque familiale composée, en partie, d’un fils et de sa mère pour y apporter toute la fougue et toute l’énergie parfois irraisonnée de la jeunesse. Le jeu d’Uli Kirsch est splendide dans son intensité, dans sa force voire dans ses tours de force.
La scène laisse apparaître un théâtre de briques de couleur marron d’un étage. A l’intérieur, les coulisses apparaissent avec toute une loge, un grand cheval noir, un piano et son pianiste. Qu’est-ce que le théâtre ? Quel est le but du théâtre ? La pièce de Py traite du théâtre par l’entremise de cette troupe de comédiens bousculé par cet acteur qui mord les oreilles du metteur en scène. La scénographie change de plan au fil des scènes, laissant apparaître sous toutes ses facettes l’univers théâtral, les coulisses laissent place aux loges qui laissent place à des décors, le tout entraîné par une musique au piano. Les séquences de jeu sont remarquablement bien orchestrées.
Py, dans une jolie traduction poétique d’Eschyle, décline une mise en scène où le jeu vocal et corporel des comédiens est de grande qualité. Le metteur en scène donne une direction politique à la pièce d’Eschyle en la revisitant sous le prisme de notre actualité.
Py remet cela. Il avait déjà monté une trilogie d’Eschyle en 2011 et depuis 5 ans, les pièces du tragique grec montent sur les planches de l’Odéon… vaste projet que celui de faire revivre sous les lambris d’un théâtre moderne les voix fugaces et profondes de nos aïeuls. On sait peu de chose sur le jeu grec, du moins sur celui du chœur qui reste encore une énigme. Eschyle a été le premier tragique grec à avoir composé des pièces en intégrant un deuxième personnage. Sophocle l’a accompagné d’un troisième personnage. On est aux origines du théâtre que Py habille de modernité dans la scénographie et les costumes, et dans le verbe eschylien, fait de jolies envolées lyriques et de répliques aux sons poétiques. L’histoire de Prométhée est ce titan qui a trompé Zeus par deux fois. Lors du partage de Mékoné, Prométhée était en charge de découper un bœuf à part égal entre dieux et humains et trompe Zeus qui choisit une part recouverte de graisse et d’os. Zeus se venge en refusant le feu aux hommes que Prométhée vole pour le donner aux humains. Zeus le punit en l’enchaînant sur un rocher, le foie offert à un aigle.
La mise en scène de Jean-Claude Seguin donne une belle allure au texte de Voltaire qui est joué avec talent par les comédiens. L’élocution, déclamée élégamment, et les alexandrins sont bien ciselés dans une scénographie belle et dépouillée pour laisser place, dans un voile de fumée avec des arrières fond sonores, au mystère du mythe oedipien.
La scénographie laisse apparaître un filet de fumée où se perdent une poubelle, un caisson et une lourde branche d’arbre qui s’appuie sur la scène. La première tragédie de Voltaire, écrite à 19 ans, mise en scène par Jean-Claude Seguin voit apparaître sur scène Philoctète, prince d’Eubée, et Dimas son ami, l’un en face de l’autre. La pièce de Voltaire porte une touche différente de celle de Sophocle avec un focus sur l’amour de Philoctète pour Jocaste et des entrées de nouveaux personnages tels que Phorbas, l’ancien conseiller de Laïos ou encore Dimas. La pièce a eu un beau succès à son époque (1718) et la Comédie Française en avait même proposé une parodie burlesque avec « Œdipe travesti » (1719).
