De fil en aiguille. Feydeau, auteur prolixe de vaudeville frappe les trois coups à la Comédie Française en nous proposant « Un fil à la patte », l’un de ses vaudevilles les plus célèbres. Dans des décors et dans des costumes d’époque, Jérôme Deschamps fait évoluer cette farce avec une densité surprenante avec pas moins d’une dizaine [...]
Un Horla de toute beauté
L’exercice est difficile. Jouer un texte d’une force telle que Le Horla est presque une gageure. L’ampleur et la profondeur du texte alliées à la finesse du style de Maupassant ne sont pas une assurance tout risques pour un comédien. Sauf à maîtriser l’art théâtral sous toutes ses facettes. Là, sur scène, Max Darcis excelle. Face à nous, l’émotion donne la répartie à la maîtrise du verbe, le corps à la voix, le talent du comédien à la présence de Maupassant. Théâtre n’est pas littérature et Max Darcis dépoussière la nouvelle de Maupassant de la couche d’ennui que nos cours de français l’avaient parfois enduit pour lui faire retrouver toute sa brillance, tout son suc, tout son mystère. Le texte est sciemment bousculé. Par sa beauté, sa fluidité, il aurait pu se suffire à lui-même. Là, le comédien n’a procédé à aucune facilité. Le spectateur est conduit jusqu’aux cimes du texte, dans ses avers, dans les coulisses de sa création. Chaque mot et chaque phrase semblent secoués de leurs idiomes pour leur dérober des secrets qui s’y cachent, pour leur faire avouer un sentiment, un mystère, une histoire.
Le Caravage au plus près
Est devant nous sur scène le peintre italien, Michelangelo Merisi da Caravaggio, dit Le Caravage ou plutôt le comédien Césaré Capitani tant la ressemblance entre les deux hommes est frappante. La barbe de 4 jours bien taillée, les cheveux bouclés, souples et comme pris au vent, Césaré Capitani a bien le physique de l’emploi. C’est avec lui, dans un quasi monologue, que sur scène est retracée l’histoire de Le Caravage, né un 29 septembre 1571 à Milan et mort le 18 juillet 1610 à Porto Ercole. Habile de ses poings avant d’être habile de ses mains, Le Caravage a mené une vie faite de scandales, de violence, de dissolution menant en parallèle une vie artistique qui inspira durant des siècles des peintres aussi différents que Poussin, La Tour, Vélasquez, Rubens ou Rembrandt.
Un tue-tête en tête à tête
C’est un beau spectacle que Judith Chemla et Julien Bris donnent sur scène. Beau autant dans son esthétique que dans son jeu et dans sa force. La partition est rondement menée. Théâtre, chant lyrique et musique accompagnent nos deux comédiens durant leur pérégrination réelle et imaginaire. Car c’est un voyage dans un au-dedans, dans cet inconscient où les forces, les pulsions font corps. Corps avec un jeu où Judith Chemla laisse libre cours à ses instincts artistiques dans le lyrisme vocal de la comédienne qui fait pacte avec une présence corporelle très marquée. Car nous sommes dans un entredeux artistique, à cheval entre réalité et fantasme, rêve et factualité. Avec la voix de Judith Chemla puissamment lyrique comme pour faire tinter un carillon instinctuel haut perché. La voix est jolie, enveloppée, bien placée, très relevée et enjouée dans lequel force et sentiment semblent apprivoiser le filet de voix de la chanteuse. L’énergie est aussi au rendez-vous. Dès le début du spectacle, le jeu démarre sur une dynamique forte. On entre de plain pied dans un univers richement chamarré où le oui et le non font chorus, où l’instinct pulsionnel résonne dans le tocsin de la vie. Tout est dosé avec justesse dans un équilibre où la force et la grâce font couche commune. Le jeu des comédiens est de toute beauté, dans un bel entrain, comme porté par une dynamique qui se nourrit du talent des comédiens.
Un Horla de toute beauté
L’exercice est difficile. Jouer un texte d’une force telle que Le Horla est presque une gageure. L’ampleur et la profondeur du texte alliées à la finesse du style de Maupassant ne sont pas une assurance tout risques pour un comédien. Sauf à maîtriser l’art théâtral sous toutes ses facettes. Là, sur scène, Max Darcis excelle. Face à nous, l’émotion donne la répartie à la maîtrise du verbe, le corps à la voix, le talent du comédien à la présence de Maupassant. Théâtre n’est pas littérature et Max Darcis dépoussière la nouvelle de Maupassant de la couche d’ennui que nos cours de français l’avaient parfois enduit pour lui faire retrouver toute sa brillance, tout son suc, tout son mystère. Le texte est sciemment bousculé. Par sa beauté, sa fluidité, il aurait pu se suffire à lui-même. Là, le comédien n’a procédé à aucune facilité. Le spectateur est conduit jusqu’aux cimes du texte, dans ses avers, dans les coulisses de sa création. Chaque mot et chaque phrase semblent secoués de leurs idiomes pour leur dérober des secrets qui s’y cachent, pour leur faire avouer un sentiment, un mystère, une histoire.
Démons de couple
« Ou je te tue ou tu me tues, ou on se sépare ou on continue comme ça. Choisis ! ». Les dés sont jetés, Franck et Katarina, un couple trentenaire s’aime et ne se supporte plus. Leur soirée démarre avec de forts soubresauts et l’arrivée des voisins, Jenna et Tomas, n’arrangent rien. Toute la trame de la pièce est autour de ces conflits sourds ou violents qui peuvent tisser la relation d’un couple. Le metteur en scène Thomas Ostermeier, figure incontournable du théâtre contemporain, récidive avec Damonen dans son exploration des malaises dans les rapports de couple. Tout un pan de l’œuvre de Lars Norén fouille l’intime des couples, des êtres ou de la famille, leur déséquilibre, leur relation faite de conflits et d’amour.
Dominique Pitoiset s’attaque à l’œuvre la plus célèbre du dramaturge américain Edward Albee en signant la mise en scène de Qui a peur de Virginia Woolf ? Créée en 2009 au théâtre National de Bordeaux qu’il dirige, cette nouvelle traduction est présentée actuellement au théâtre des Gémeaux à Sceaux. Première en Ile de France.
C’est l’histoire d’une répétition de pièce de théâtre. Une répétition publique. Chantal, l’auteur et metteur en scène de la pièce, confie avoir besoin de se confronter au public pour avancer dans son processus d’écriture. Les spectateurs de la salle assistent alors aux premières scènes d’un mélodrame amoureux interprété par un couple de comédiens. Mélodrame à [...]
Francesco le bienheureux La salle du Paradis (la bien nommée) au Lucernaire nous invite ces jours-ci au voyage dans le passé à la rencontre de Francesco ou plutôt celui qu’on appellera St François d’Assise. Stéphane Aucante nous livre avec originalité la vie de cet illustre personnage à travers tout le talent de son comédien fétiche, [...]
Un grand petit chaperon rouge
Joël Pommerat donne actuellement aux ateliers Berthier, avec « Le petit chaperon rouge » et aussi « Pinocchio », deux spectacles autour du conte et des fables de l’enfance. Avec « Le petit chaperon rouge », il s’est attaqué au conte de tradition orale écrit par Charles Perrault dans le droit fil de la trame de « Pinocchio » où l’auteur metteur en scène, Joël Pommerat, marie la narration au théâtre.
